asuntos de cine

MAD MEN

2010-07-06T18:07:00.000-07:00

No escribir era normal, leer este blog por milésima vez me parecía -más allá de un gesto de egocentrismo absoluto- un oficio caduco. Pero el otoño me encanta. Volver a escribir en este lugar, después de varios meses será un esfuerzo y un ejercicio de perfecta vanidad.

PRONTO...

2009-04-12T06:57:00.000-07:00

ALTERADOS

MIS AMIGOS INVISIBLES

2008-05-04T06:31:00.000-07:00

Los argumentos donde los personajes enfrentan lo miedos ha ido desapareciendo de los films de cine fantástico que últimamente han sido de gran aceptación entre el público que va a las salas. Y se ha cambiado por una especie de amenaza ejemplificadora. Enfrentar lo desconocido en películas como "El Laberintinto del fauno", "El Orfanato", "Los otros", etc. Debe ser una posibilidad para que los personajes puedan cambiar profundamente su manera de estimar el mundo en el que viven.

Aunque el carácter de apunte del párrafo anterior denota un comentario al paso, lo que impulsan estas anotaciones es la formalidad del cine fantático y sus progeso narrativo junto a los avances que la industria ha ido entregando.

No estamos en la década del '20, ni mucho menos en la de los '40 para desarrollar una especie de profecía acerca del lenguaje cinematográfico. Sin embargo los avances de esos años despliegan un discurso sobre el tapete: La integración del sonido al cine y las nuevas planificaciones visuales que O.Welles comienza a desarrollar en la impresion óptica de sus films ¿son un real aporte al lenguaje del cine?.

El género fantástico requiere una puesta en escena y una factura reconocible para que el espectador pueda integrarse al campo de expectativas que los hace seguir el film. En "El Orfanato" queda manifiesto la maestría de las formas del género. En su montaje, en su diseño sonoro, en los espacios y en la constante bifurcación de realidades posibles que se presnetan en un mismo tiempo.

"El Orfanato" posee una serie de ejercicios que hemos visto reiteradamente en diversos films. Por lo que el campo de posibilidades narrativas se hace bastante extenso y nos activa en el papel de espectadores. Este film ofrece la oportunidad de que nuestra memoria cinematográfica se dé por vencida esperando respuestas.

El film español pone en escena un estudio perfecto de una pasado destruído que está latente. Un pasado herido y cruel que se esconde en los lugares que nuestro hogar deja para lo que ya no sirve.

¿Creémos en los amigos invisibles?, el terror y lo fantático se halla en el espacio donde se piensa esta respuesta, donde lo subjetivo y lo no consciente hacen un corte circuito en los persnajes y nos queda la duda; esa inestabilidad que nos hace ingresar al pasado del Orfanato.

MY BLUEBERRY NIGHTS

2008-04-26T08:41:00.000-07:00

EL CINE EN UNA FUENTE DE SODA

2008-04-21T12:55:00.000-07:00

Alrededor de veinte años demoró el cine de Wong Kar Wai en desplazarse productivamente a Norteamerica. Viaje que no tranzó, ni negoció sus preocupaciones cinematográficas; pero que tuvo un costo que en My Blueberry Nights pasa a ser accesorio.

Los lectores de Raymond Carver y de un sin fin de novelistas que apuestan por la narración corta tienen, ahora, un blanco perfecto para escudriñar esa sensación que causa la narración breve en donde el detalle y el gesto eterno de algun personaje puede ser el pretexto para expresar lo que se quizó escribir. My Blueberry Nights denuncia el fragmento y su brevedad en su unidad misma. El montaje de planos cortos y sucesivamente anómalos para el encuadre que nos domina en el cine habitual y con sus distensiones propias para enmascarar alguna continuidad que se queda en la elipsis o se expresa en su complejidad del flujo de la acción o de la creación de un espacio fílmico único al alejarse del canon.

El film MBN recuerda uno de sus films laberinticos: Days of Being Wild. Aquí nace lo que algunos han catalogado como la trilogía fundamenta de WKW que sigue con "Con ánimo de amar y finaliza con "2046". Con "Days of Being Wild" y con la urbana "Chunking Express" podríamos hablar del desarrollo autoral en el cine de WKW. En esos films vemos como los encuentros, visitas, desencuentros, soledades y las comidas son materia fundamental de los relatos del Director nacido en china. Las películas de WKW están hechas de una buena conversación, unos cigarillos, una buena comida y un amor que no se cumple. Puede que sea así, tal vez son situaciones recurrentes en sus producciones.

My Blueberry Nights supone un catalogo perfecto de la obra de Wong Kar Wai, tal vez ese es su costo al momento de entrar a un sistema de producción que pueda tener algunas variables. El peor momento de un director es cuando decide parecerse a sí mismo. Así y todo con The Follow ya se había aproximado por estas tierras. De la música, de sus operaciones visuales, de sus argumentos, de sus estrategias narrativas podríamos hacer un blog especial. Por ahora nos queda saber que hay películas que pasan en una fuente de soda y que no basta salir de allí para saber que la emoción y los reencuentros están hechos de soledad.

ANGEL, MELODRAMA, OZON

2008-02-20T11:55:00.000-08:00

Cuando un director de cine comienza a producir filmes, habitualmente, encuentra varios pies forzados que definen sus primeras obras y que cimientan las siguientes, ya sea por la comodidad del género o por las expectativas inquebrantables para algunas distribuidoras.

Sin embargo llega el momento en la filmografía de algunos directores en donde pueden hacer la película que transparente sus gustos industriales y puedan dejar el rastro de un homenaje a los films de su infancia.

Francois Ozon, luego de dirigir largometrajes como Sitcom (1998), Los Amantes criminales (1999), Gotas que caen sobe piedras calientes (200), Bajo la arena (2000), 8 Mujeres (2002), La piscina (2003), 5X2 historias de pareja (2004) y El tiempo que resta (2005) nos presenta "Angel" (2007). Entre estas producciones se insertan varios ejercicios y cortometrajes que ya se han secularizado en la obra del director. Sin duda la obra de Ozon se va encontrando con sus referentes a medida que van apareciendo sus films. "Sitcom" puede ser la opera prima que hizo entrar al circuito cinematográfico con una comedia con fijaciones y vuelcos donde la sexualidad y perversión de sus personajes nos hacían caer en una historia en racconto que intentaba aclarar la muerte del dueño de casa que sólo escuchábamos al inicio del film. Luego vino unos de los filmes que posee una carga mítica que en los cuentos nórdicos de Andersen y a la vez conecta una fuerte tradición de parejas que se dedican al delito en el cine y que logran huir de su cotidiano para poder re-hacer sus vidas. Gotas que caen... logra conectar a Ozon con R.W. Fassbinder y con la teatralidad que el cine francés de vez en cuando deja al descubierto en sus puestas en escenas. Bajo la arena y La piscina son films hermanos, el tema de la desaparicón y su fuerte carga descriptiva hacen que el cine de Ozon se tope con lo mejor de Antonioni y con la reformulación del relato en el cine. 5x2 historias de pareja puede ser una de las apuestas riesgosas de Ozon que despiega a nivel de estructuración del relato y de un tratado del amor en los tiempos de hoy.

Dejo 8 mujeres y Angel para establecer la tendencia de Ozon por una estética que tiene que ver con el género melodramático. A nivel narrativo son filmes bastantes distantes pero que pueden ser comprendidos como testimonios de un desarrollo que el director francés determina en su último filme. Angel es la historia perfecta, que resitúa al personaje de la comedia musical norteamericana y la pone en escena dentro de la atmósfera teatral y artificial del melodrama que David O. Selznick hubiese producido en sus años de gloria.

El argumento de Angel es la historia conocida de la niña que tiene un sueño, vivir una vida distinta, una vida que toma cuerpo en la casa-palacio Paraíso que observa camina al colegio. Para ello comienza a escribir y logra internarse en la imagen de esa vida palaciega. Angel es un film de época situada alrededor de la guerra mundial. Ingrediente que cobra ciertos giros clásicos del genero, su esposo debe enrolarse en el ejercito y la soledad comienza a causar heridas en la vida de la escritora rosa que se nos presenta.

No sé muy bien si Angel ha llegado al comercio cinematográfico. SIn duda creo que ya está o llegará a los ciclos que se organizan periódicamente en salas mas pequeñas o simplemente aparecerá en el video club. La nostalgia para los sub 70 y la oportunidad de ver para las sub 30 que el melodrama es un componente que el cine supo imaginar y que, lógicamente en este blog queda como precario manifiesto.

CONTROL, la película que no se ve...

2007-12-31T21:14:00.000-08:00

Bioepic puede ser el rótulo de las películas que se basan en la vida de personajes que pueden dar forma a un argumento dentro de una película. Una historia que pueda darnos luces acerca de una figura humana que se construya en una suerte de épica o simplemente en un relato que vaya acumulando experiencias que logren ser fruto de reflexión en torno a las personalidades elejidas.

Desde The Citizen Kane hasta Velvet Goldmine que las miradas a una figura se han vuelto multiples en el cine, tal vez por ello Control opta por otra vía, la mirada única, íntima y distante que se vuelve fría y misteriosa.

El ejemplo que podemos citar es "Toro Salvaje" de Martin Scorsese, film que se vuelve referencia y canon dentro del ejercicio del guión y del tratamiento temporal que se le otorga al argumento. La complejidad de contar la historia de una vida propone desafíos que tienen que ver con la elección de los momentos que dan cuenta de la vida en curso. En esa discriminación episódica se juega gran parte del sentido del film. No en vano "Toro Salvaje" propone un montaje que despliega un viaje a la violencia del personaje protagónico.

Más allá de las deducciones que podemos sacar a partir de los límites de CONTROL de Corbijn, nos encontramos con un film austero desde la perspectiva de las operaciones cinematográficas. Me refiero a un montaje sucesivo con omisiones temporales que acivan constantemente la intimidad de Ian Curtis, vocalista de "Joy Division". Es un ejercicio de acumulación de situaciones, de relaciones que, el espectador va urdiendo a medida que el film progresa a la luz del blanco y negro que provoca la impresión de austeridad al igual que el montaje.

La austeridad, como adjetivo puede denostar y provocar alguna adversión frente al film, sin embargo CONTROL logra la linealidad necesaria en su argumento para que podamos transitar en la experiencia, logros y fracasos de Ian y, al mismo tiempo, nos entrega la oportunidad de sugerir las omisiones temporales que contruyen la película que todos queremos ver: la que no se ve.

Tal vez pueda parecer críptico, cerrado o mal escrito este comentario. Tal vez sea el efecto del relato de Corbijn, lo que transita en el film es la melancolía de Ian Curtis, el silencio de su esposa, la seducción de su amante y el sonido de su banda.

Eso es ya bastante para una vida...

PROXIMA ACTUALIZACION, CONTROL de Anton Corbijn

2007-12-30T14:00:00.000-08:00

QUEMA TU CAJITA Y NUNCA PIDAS DISCULPAS

2007-12-25T19:12:00.000-08:00

Avoc 2: Normal Adolescent Behavior, traducida como "Perturbadas 2: Comportamiento adolescente anormal". Como casi siempre el título no dice mucho del film y viceversa.

Nuevamente una película donde la experiencia adolescente marca el argumento que se configura a lo largo de una serie de motivos reiterados de este sub género. Al igual que la antes citada "Thirteen", ésta película tiene un tono más complejo o tal vez moralmente más aceptado respecto al sentido que se fabrica a lo largo del filme. La extraña percepción del relato en la primera media hora comienza con la declaración de principios y leyes que rigen un grupo de amigos que se conocen oscuros y sórdidos secretos y que luego los comparten guardando registros y objetos que den cuenta de ellos en una cajita de cartón. Luego de ese manifiesto se nos presentan dos grandes fases de adolescentes. El grupo al que pertenece Wendy -la portagonista- y el grupo el cual frecuenta Sean -el chico bueno que podemos ver en A History of Violence del fantástico Dvaid Cronemberg.

El grupo Wendy nos deja en claro que la sexualidad es la represtenación de la adolescencia y que en ella se debe gastar y explorar ya que el cuerpo después no abandona, entonces nos queda el desenfreno y la dinámica del sexo gobernado por el poder que cada uno de ellos ejerce por el otro: La caja con los secretos.

El grupo que frecuenta Sean no posee dominios ni se ejercen poderes para tener sexo, sólo es necesario estar allí y tener ganas. No existen manifiestos, ni leyes, ni cajas. Nadie sabe nada del otro, no hay pasado que los domine ni rastros que puedan impedir ser allí.

Normal Adolescent Behavior, nos propone un encuentro y choque que deja desnudos los mundos antes descritos. Sean es el nuevo vecino de Wendy, ese encuentro será la oportunidad para los dos se muetren sin estamentos de grupos de amigos que los separen, es el germen de Romeo y Julieta, es el incio de lo que se se establece como una relación "extraña" dentro del film. La exigencia es ser ellos mismo, el problema es que no lo han sido, por lo menos Wendy que, arrastrada por su grupo de amigos, lucha con la mujer pérdida.

Hay varias tesis para este impulso adolescente, pero la trama es demasiado correcta y moralista. El pasado es complejo y se guarda en las cajas, ¿quemarlo?, o reconocer quienes somos y olvidarse que alguién puede dominar nuestros actos. Tesis que parace perfecta para una fábula disfrazada de película irreverente. Mejor quememos las cajitas y nunca pidamos disculpas para poder ver otra película que nos deje hablar de cine y que no nos atrape en argumentos que no nos dejen ver.

Normal Adolescent Behavior huye del sexo, opta por poner en escena fragmentos, mutilaciones del cuerpo que intentan sugerir el ámbito donde los personajes generan sus conflictos más atractivos y que mueven la historia. Allí radica la complejidad del film, y tal vez la escena que solventa esa parcela es la de los nalgazos de Sean a Wendy, en una complicidad sexual y a la vez molesta donde pueden expresar sus dudas y temores, donde los personajes se quedan atrapados en ese juego de verdad, en ese sexo que no es pornografía, ese sexo que es parte de los personajes que el film intento bosquejar.

KT TUNSTALL

2007-12-19T16:44:00.000-08:00

kt tunstall

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Al parecer hemos llegado a la época donde los ídolos del pop se desintegran y ya no alcanzan a reinventarse. Esta música puede ser un adelantado y no póstumo homenaje.

25 WATTS, sin palabras...

2007-12-18T19:47:00.000-08:00

A LOS TRECE, LA AUSENCIA DE LA ADOLESCENCIA

2007-12-18T19:08:00.000-08:00

Revisando películas adolescentes y deseando huir de los hits Norteamericanos como "American Pie" que, ni siquiera he visto- Encontré "Thirteen" o como se tradujo "A los trece". La predilección de un film u otro, muchas veces depende del grado de identificación que logra con el espectador y de allí la potencia argumental que algunos filmes logran; y pensamos que hemos visto una gran película.

"A los trece" es la historia de un paso violento, de la niñez a la juventud. En ese tránsito el film se configura como una película insolente desde la primera escena, dos amigas se golpean luego de que la droga les ha arrebatado la sensibilidad al dolor.

Una madre, un hermano y ella: Tracy que encuentra a una nueva amiga, la más popular del colegio y el deseo sexual de su hermano y de sus amigos, la imagen de la chica exitosa que se desintegra antes que Tracy se de cuenta. Esta trama sencilla y, al parecer, conocida sirve para que Catherine Hardwicke continúe pulsando una cuerda similar en sus otras producciones. La adolescencia en sus films es uno de los factores que permiten que sus relatos naufraguen, se excedan y se pierdan cuando el cansancio de la irresponsabilidad agota a los personajes.

La falta de voluntad, el dejarse arrastrar, el irse un rato a dar una vuelta que se hace eterna, el salir a la calle sin saber donde vas, la fascinación por el aspecto y donde el parecerse al otro es lo más preciado en "A los trece" arma una atmósfera de la que KIDS Y GUMMO de Korine deja referente y rastro. Sin embargo Hardwicke camina por otra vía, una más aceptable, donde nos ponemos del lado de los padres, de lo "maduro" que al final del filme se destruye quedando -irreversiblemente- entre la niñez y la juventud.

SE PARTE DEL GRUPO

2007-12-16T09:45:00.000-08:00

http://www.youtube.com/watch?v=H0jkv2bRFgQ

ESCRIBIR ACERCA DE CINE

2007-12-12T12:40:00.000-08:00

Será un pretexto para dejar registro y sacar conclusiones. Será para echar a andar la memoria cinematográfica, puede ser que sea un gesto de ego incontrolable. Es una actividad que declara una pasión y la posibilidad de llegar a transmitir una experiencia incomunicable. Es todo esto y algunas cosas menos. Tal vez sea el manifiesto necesario para seguir viendo filmes y televisión. De todos modos aquí está. Otro blog. Asuntos de Cine, crisis y revuelo de un espectador.

Lean cuando puedan o cuando quieran...

HACE CINCO AÑOS ESCRIBI ACERCA DE "DEAD MAN"

2007-12-04T17:22:00.000-08:00

"América es una mezcla de culturas diferentes. Para hacer una película sobre América, me parece lógico tener al menos una perspectiva diferente o transplantada porque la nuestra es una colección de influencias transplantadas".
Jim Jarmusch.

“Dead Man” (1995) de Jim Jarmusch podría ser forzosamente lo que algunas décadas atrás llamaban un Western. Aquél género que narraba la conquista del oeste americano: las artificiosas y constantes luchas entre conquistadores y la resistencia, hoy en día forman parte de la histórica industria de películas de género. El género es como una especie de estructura narrativa, un canon a seguir donde las relaciones de los personajes están determinadas de ante mano. Actualmente el género, no resucita en cuerpo y alma, si no más bien se manifiesta, algunas veces, en forma de cita o como parte de la “caja de herramientas” que el cine utiliza para abordar una historia que necesita tomar forma.

En “Dead Man” la conquista del oeste ha dejado sus indisolubles huellas, la decadencia de los sheriffs, la ausencia de nobles duelos y de las tribus indias pasan a formar parte de una sobre vivencia cultural. Sin embargo el inicio del film remite irremediablemente a un escenario completamente reconocible, deudor del western americano, es aquí donde Jarmusch, lentamente, huye de lo conocido, del imaginario vaquero “revelando” una nueva película e instalando un particular verosímil. El comienzo de una nueva experiencia de vida o el inicio de toda historia en el tiempo.

“... ¿no te acuerdas, cuando estabas en el bote?... y te preguntas ¿por qué se mueve el paisaje más el bote no?...”.

La experiencia cobra reminiscencias míticas -el tiempo cíclico de la antigüedad-. Hasta aquí, un perfecto prólogo para acomodarnos al sillón frente a la pantalla.

Desde el punto narrativo Dead Man no posee un centro, el conflicto central se pierde a medida que el viaje del protagonista vuelve a un nuevo comienzo. William Blake (Jonny Deep) es un joven y ordenado contador que llega a una aldea del oeste americano del siglo XIX “Machine” con pretensiones de trabajar en la empresa metalúrgica del lugar. Sin embargo su proyecto de nueva vida se ve destrozado porque ha llegado tarde, el tren hasta la aldea ha demorado demasiado y su puesto, al parecer, ha sido ocupado, llevándolo por las “cosas del destino” a descender a la condición de matón del viejo oeste.

Lo que llama la atención en Dead Man y lo que originó esta aproximación al cine contemporáneo es la caída de Blake a la condición de matón y su escalada a la violencia, en esta oscilación entre caída y escalada indagaremos el cómo un tranquilo y citadino contador llega a empuñar implacablemente un arma. Para ello es necesario rescatar algunos momentos que se desprenden de la factura de Jarmusch.

Primer momento-. Desde un comienzo la matanza indiscriminada de búfalos, las huellas de millones de alces sacrificados, comunidades indígenas devastadas y la abolición casi total del respeto por el otro son un precedente que anuncia un nuevo “lejano oeste”, donde la conquista en sus habitantes ha dejado nefastas huellas. Aló sueño americano?.

En un segundo momento Blake llega a este raro “lejano oeste” ya sin trabajo y con la indiferencia de los habitantes de “Machine” no le queda otra que pedir licor en la cantina, Blake no se reconoce en ningún momento, el reconocimiento y el vinculo social no parece existir, estando al borde la experiencia de la violencia.

Tal vez el único instante en donde puede entablar un vinculo es con una “ex - prostituta” pero en su alcoba y bajo su almohada hay un arma: “... ¿por qué la tienes?, porque estás en América...”.

Blake debe escapar de la aldea, herido y montado sobre un caballo despierta al lado de un indio, aquí un tercer momento-. El indio “Nobody” llevado muy niño a Europa como objeto de feria y educado como blanco ha regresado a su tierra desde hace un tiempo y habla un extraño idioma, habla pero no dice nada, lo único que logra es confundir a Blake con el poeta y pintor William Blake. Esta relación hace que Blake se vea incomprendido, no escuchado, y más aún en su herido silencio no encuentra respuestas para su angustiante situación y sin ni siquiera saber en que lugar del oeste está.

El silencio comienza a reinar, el idioma que utiliza “Nobody” no es el mismo de Blake, así también las imágenes comienzan a pasar por nuestros ojos como a los ojos del protagonista como un idioma silente comenzando a ser espectadores de cine, casi, en su estado puro.

Cuarto momento-. Blake es buscado (WANTED) por tres matones y todo quién vea el cartel con el retrato. Experimentado con su revolver ha matado a unos cuantos, a algunos de accidente y a otros con o sin motivo. Blake adopta una nueva imagen, un reflejo del poder de las armas y de la “fuerza del sin sentido”. La violencia de las armas, el estado errante de los personajes, el vago terreno del delirio y de las alucinaciones comienzan a reinar. Ya no existen los enemigos ni adversarios declarados.

La violencia está instalada- quinto momento-. Blake, herido de bala, sin fuerzas, con constantes alucinaciones y delirios, comienza a sentirse rodeado y observado por la naturaleza. Es aquí donde Jarmusch imprime una sutil ironía: un ciervo herido se transforma en el único reflejo o reconocimiento dentro del caos que rodea a un matón del viejo oeste que se siente víctima de la violencia en la que el mismo esta inserto. Él no es un personaje violento sino un espíritu azotado por un entorno que se hace irreconocible, allí radica la génesis de la violencia, en el oeste de Jarmusch no hay códigos ni reglas reconocibles para disparar.

La progresiva descomposición de la naturaleza queda al descubierto en el viaje que emprende nuestro “héroe moderno” condicionado por la falta de voluntad y herido se deja llevar por la corriente del río. El mundo es confuso, un continuo devenir; debemos regresar a donde vuelven todos los espíritus.

Jarmusch es uno de esos directores que parecen indagar algunos aspectos del ser humano donde el desamparo, el silencio y el paso del tiempo forman parte de una extraña persistencia dentro del sin sentido de una época y del mundo inexplorado del western en nuestros días. Tal vez sea la única forma de encontrarnos con algo parecido al género en cuestión. Pareciera ser que en “Dead Man” el desamparo, la incomprensión del entorno, la ausencia de códigos éticos que llevan a los personajes a quedarse solos en el mundo y su angustiante incertidumbre de sentido son la remembranza de una historia de omisiones. La historia de América es la historia de culturas que no han sido reconocidas o simplemente que no logran habituarse por completo debido a la continua trasplantación cultural que sufre el continente, es en ese dislocado habituarse donde se puede encontrar el embrión de la violencia.

En “Dead Man” el territorio de la violencia es compartido con el territorio del reconocimiento, por eso, tal vez la solución a la escalada de la violencia sea aceptar el sin sentido propuesto en el film. Allí no hay grandes guerras, no hay un lugar determinado para disparar, sólo una cuantas pistolas... porque esto: es América.

LA MADRASTRA: GALANES IMPERFECTOS

2007-12-03T05:08:00.000-08:00

Hace un tiempo resistía la idea de escribir acerca de una telenovela que se ha editado en versión reducida: La Madrastra en DVD. Emotivamente su producción responde a los años en que comence a ver televisión. Tal vez no recuerde nada, pero mi inconsciente parece que ya sabía del whisky, de los cigarrillos y del café que aparecen una y otra vez en escena.

Escribir implica un ejercicio selectivo, que exige referirnos a lo que nos llame la atención o lo que nos aparezca que pueda tener una implicancia contingente que no sólo radique en la emotividad de los recuerdos caseros.

La figura de Aturo Moya Graú se nos aparece cada vez con más fuerza a medida que la edición reducida de la telenovela llega a su fin. Una de las razones de esa atención se emplaza en la construcción de los personajes masculinos. Que podemos dividirlos en tres grandes grupos: el primero de ellos son los galanes imperfectos, determinados por su estar arrojados al amor, o a esa posibilidad. Los segundos pertenecen al grupo de los hombres sabios que están alli para ser ejemplo y experiencia para los demás y por último los hombres que no gozan de estas dos categorías y que son: los fuera del valor.

La clasificación en su análisis puede perder la fuerza del mismo drama pero la intensión es volver a mirarlos como cuerpo, ya que sería la posibilidad de leer a los personajes masculinos de La Madrastra.

Hablaremos del los galanes imperfectos: hombres que poseen un gran defecto y una gran virtud, combinatoria que permite extender sus conflictos y sufrimientos. El ejemplo más notable es el de Leonello, interpretado por Patricio Achurra. Graú se encarga de mostrarnos a un hombre correcto, ejecutivo, serio, trabajador y éxitoso es sus gestiones empresariales. Sin embargo es necesario contrarestar esas posibilidades para hacer entrar al género a la excelencia de personaje que se nos preseneta y, a la vez, humanizarlo.

Leonello es huerfano, se crió bajo la tutela de la familia San Lucas, actuales dueños de la compañia donde es un exitoso director. Su madre fue asesinada cuando él era niño: Patricia y su padre murieron. Este último fue estafado por otros integrantes de la misma empresa asunto que él no lo sabe, al igual que no cree que su madre murió en un accidente. Leonello tiene secretaria personal y puede llegar al maltrato cuando se trata de trabajar. Leonello, no tiene novia, tiene asuntos más importantes. Leonello no expresa sus sentimientos cuando trabaja, solo trabaja. El dolor le arrebato el alma. Dolor que se expresa en su frialdad que debe ser trastocada para poder doblegar su destino y recobrar un pasado.

Sin duda la figura del galán imperfecto no se cumpliría si no pudiese enamorar. Para eso, Claudia, la secretaria perfecta, pasional, explosiva y humilde, poco a poco, va ir conociendo la imperfección que puede convertir a Leonello en uno de esos personajes que Graú deja en esta condición. Tal como Greco, Héctor y Esteban San Lucas en cierta medida.

La Madrastra es un tratado más de como configurar una buena telenovela. Lo que sucede es que, a la luz de nuestros días, parece una rareza verla y disfrutarla desde el género vaciando la emotividad de haberla visto años atrás. Tal vez la generación de los '80 en adelante pueda tener el privilegio de ver un melodrama más puro y verdadero que los pastiches y sofritos de la TV actual que no se reconocen como melodramas y que intentan parecer series de Tv extranjeras antes de descubrir la riqueza cultural de una buena telenovela. Y de mirar hacia atrás para ver que la dramaturgia de television requiere oficio.

UN AMOR, UN SALTO, UN TEMPLO

2007-12-03T04:55:00.000-08:00

El rótulo de comedia romántica parece perfecto para el filme "Life less ordinary" o la historia de "Chico conoce a chica" pueden convencer a más de algún ávido arrendatario de video club para que se lleve a su casa el dvd. Sin embargo no se encontrará con el blockbuster que esperaba, ni con la típica "comedia romántica" donde el deslavado galán con sonrisa y rostro arrepentido logra que su ondulada chica vuelva a sus brazos. La sorpresa es mayor, la sensación paródica o el descrédito de serios argumentos hacen de "Life less ordinary" una experiencia que creo necesaria comentar a la luz de algunos momentos que pueden determinar una conciencia productiva en Boyle luego de presentarnos "Shallow Grave" y la taquillera "Trainspotting". El argumento tiende a la parodia, la comedia romántica contaminada por el cine negro y el musical hacen que escenas logren la autonomía necesaria para que su existencia en el filme se vuelva un ejercicio estético constante. Para determinar estas situaciones dos momentos: la figura de la femme fatale que disgrega la relación de los hombres, un el protagonista interpretado por Mc Gregor que no logra establecer relaciones con los otros personajes masculinos. La visita a un bar para que Mc Gregor tome un micrófono y, en una suerte de karaoke, transfigure las impresiones del espacio en un escenario digno del musical. Todo esto rodeado de un secuestro inoperante, donde cada vez que se pide recompensa se inaugure un nuevo desafío para que el amor que no reconocen se vuelva una constantemente. Es una película que merece detención y fijar la mirada. Un humor que, lejos de estar ahí para incentivar al espectador, constantemente hace notar la distancia crítica que, alguna vez, Godard practicó con persistencia respecto al cine norteamericano en sus años de la nueva ola. Tal vez no tenga el mismo discurso en su materialidad pero hace que los recursos plásticos, de montaje o de los de su puesta en forma adquieran la actualidad necesaria para disfrutar del cine que nace desde el cine.

NORMAL CON ALAS: ESTA TELESERIE ERA NECESARIA

2007-11-29T10:36:00.000-08:00

La impronta de una película "Pelolaís" no era necesaria, el afiche que raya en el mal gusto y en el lugar común de las anotaciones de un cuaderno o agenda de colegio también. La apariencia de esa secuencia de créditos, tal vez, no se corresponde con el producto del filme de Gómez. Y la pregunta que sigue denunciando es el aspecto del personaje de Gonzalo Valenzuela; ¿Proviene del comic?.

¿Por qué refererirse a "lo innecesario"?. Esa etiqueta da cuenta, tal vez, de la poca fé que se tenía en la narración y en las estucturas dramáticas que nacen desde la misma experiencia de la directora en la TV. "Normal con alas" no llama la atención por la definción de su imagen, no por las planificaciones visuales para abordar las escenas. El filme tiende a la austeridad y a la suciedad de la textura en sus posibilidades visuales, se vuelve un filme cercano a los cine de H. Korine o Larry Clark en algunos pasajes. O tal vez a los extremos del invento del Dogma en sus años honestos.

"Normal con alas" es la opera prima que no quizo asumirse como film imperfecto y con lagunas de sin sentido, notamos esta constante atracción por la telenovela y por la exigencia de hacer un largometraje de origen independiente como si fuese una producción de Sobras y todo su negocio Español que tiene en su cuenta a Promedio Rojo y al esperado Santos. Entonces vemos un filme extraño algo como que quiso ser mejor en sus tecnicismos.

Sin embargo el drama de esa no aceptación de su pequeñez productiva y economía de recursos visuales no fue mayor que el tejido dramático que logra Gomez en sus ochenta y tantos minutos. El oficio telenovelezco, melodramático, multi conflictivo, de progresiones y simultaneidades al momento de los puntos altos del drama. Personajes logrados desde la amistad y conocimiento de los ritmos delante de la cámara de un grupo de actrices que las hemos visto una y otra vez en los mismos personajes. Y por último, el factor "marihuana" tratado como agente revolucionario y pretexto para olvidar los prejuicios con los otros que están allí; en una sala de clases, en tu trabajo, en tus fiestas. La marihuana como ése algo común que hace que la gente se reúna sin mas tema que fumar.

"Normal con alas" no es una película pelolaís. Es bastante más que eso. Y es la instancia para que los directores de las areas dramáticas de los canales que apuestan por la producción melodrámtica, de situaciones exageradas y de giros extremos y coincidencias inpensadas. Recuerden que están en un negocio que no permite la verdadera vocación de las telenovelas.

VIAJE AL VIENTRE

2007-11-21T08:55:00.000-08:00

"Italianetz" ó simplemente: "El Italiano" es un largometraje ruso, producido en el 2005.

Comenzar a ver el filme es el perfecto prólogo para saber que el sufrimiento impulsado por el drama social en el cine, data de unas cuantas décadas atrás; proveniente desde el mismo lugar geográfico al que podría pertenecer nuestro protagonista: ITALIA.

El neorrealismo italiano no fue ni es un movimiento artistítico o cinematográfico, ni mucho menos un acuerdo de producción. La historia tiende a ordenar para que no se nos vuelva inabarcable la enciclopedia. Podemos decir que actualmente el cine digital es un movimiento o algo por estilo, pero las distintas manifestaciones que puede tener un soporte no son propias de un sistema de producción ni mucho menos el ánimo de un grupo de personas que proponga un orden. La historia del cine las hacen las películas.

Un horfanato, padres buscando un hijo por adoptar, la pobreza y el frío inaguantable, el riesgo del alcoholismo y la delicuencia que rodea al edificio del horfanato que, pareciera estar en los límites de un pueblo o ciudad de la fría Rusia es el escenario para presentar a Vanya Solntsev: El italiano.

Como podemos apreciar, los elementos que comienzan a componer el drama pueden ser los perfectos para caer en un culebrón ó en una hsitoria épica de lucha y superación, claro ejemplo de que podemos salir adelante. Pero las películas pueden ser referente y límite para comprender que la historia íntima se vuelve mucho más identica que una gran batalla por la humanidad. El niño Vanya Solntsev comienza un viaje en busca de sus verdaderos padres, para ello ha aprendido a leer para poder investigar, en su expediente donde puede encontrarlos. Ya que si no logra este objetivo será adoptado por padres italianos y si alguna vez sus padres regresan por él, será muy tarde.

La sensación que nos deja a cada instante es de constante desarraigo, el mundo que habitan los personajes que rodean los personajes se vuelve corrupto, fuera de la ley y algunas veces paródico cuando se quiere criticar el estatuto de los personajes que dirigen este horfanato. Vanya comienza el viaje desde un tren, pasando por la busqueda de una dirección y la huida de los que quieren que regrese para que sea adoptado.

No es necesario que los personajes digan que no le temen al mundo que se muestra hostíl e infinito, no es necesario darle tanto espacio a lo cotidiano. Basta con construir una buena partida, hacer coincidir todos los fragmentos del mundo donde habitamos para que queramos conseguir lo que nos falta y que eso signifique lo mismo en todo el mundo.

"El italiano" no se vuelve un llamado a la esperanza ni mucho menos, es el registro de un clima desigual y a veces cruel, es la vuelta al padre casi con un carácter redentor que nos ponde en lucha con nuestra emoción cinematográfica (creada a partir de nuestra experiencia cinematográfica) y nuestra emoción sentimental ligada a nuestra experiencia en el mundo real que, a fin de cuentas, mientras más cercanas estén mejor va ser nuestro placer al ver un obra de arte cuando se encuentra o se busca.

COMO OLVIDARSE DEL CINE INDEPENDIENTE (PARTE I)

2007-11-21T08:47:00.000-08:00

A la hora de establecer la "excentricidad" de una película, las etiquetas, rótulos, códigos y estampas dejan de ser útiles, no sólo porque entreguen una generalización con matices reductivos y ansiosos en un afán concluyente que "no" definen, minimamente, la cualidad de una manifestación artística contemporánea sino porque no dicen mucho de la película ni menos garantiza la experiencia de nosotros frente a él.

Oír hablar de cine independiente nos abre un registro de films que parten desde un grupo determinado de directores norteamericanos que produjeron films fuera del formato de la industria, él que consiste en una serie de contrataciones que fragmentan la factura y el control artístico de la obra audiovisual. A esto se le suma que, cada parte del equipo de producción posee un mecanismo para producir la visualidad requerida. En forma práctica, podemos encontrar una serie de films que se aproximan en sus temáticas, en actores, en la apariencia, en la campaña de marketing o muchas ocasiones se presenta de la siguiente forma: "DE LOS PRODUCTORES DE...". Este último se transforma en un eufemismo que trae consigo una trampa de la industria que se miente a sí misma para "vender".

Muchas veces una producción cinematográfica posee límites difusos y centros situados en la memoria y tradición cultural que tenga el realizador o la producción de la que se pretenda manifestar una crítica al interior de múltiples gamas de ejercicios textuales que nacen fuera del dominio y de la crítica comercial. Es en éste preciso espacio de las conseciones que un director debe hacer con la "Industria" donde nacen films que pueden llamarse como independientes. Con la excepción de que en alguna etapa, como la distribución se necesita o urge la participación de una figura para que los films lleguen a nuestras manos.

Hoy en día los films tienen variadas formas de producción, por lo que muchos de los directores gozan la complicidad de productores para poder llevar a cabo su propio film. Lo mas probable es que Gregg Araki con una de sus últimas producciones goce de éste temple creativo.

"Misterious Skin" (2004) puede ser uno de los films que logra desde un comienzo mezclando diferentes registros visuales de género, la impresión es que se está frente a un film cercano a "Nowhere" (1997) donde lo extraterrestre era parte activa de un film que se destacaba por su brutal inestabilidad que, ahora proyectado en el tiempo, se torna antecedente, para que Araki pudiera poner en escena un film con un postulado acerca del relato y un papel activo del espectador para poder generar críticas respecto a la concepción de la historia. El argumento posee dos lineas narrativas o mejor aún dos concepciones de una historia colmada de fragmentos que son necesarios para que Araki pueda dejar la libertad más fructífera que se puede lograr en el cine, la de contarnos la historia a nosotros mismos. Se acabo la jerarquía del narrador que estaba en todos lados y en todas partes...

Ludivine... simplemente

2007-11-17T09:51:00.001-08:00

POR LA PUTA

2007-09-16T12:04:00.000-07:00

Hace unos años ví en la TV. una serie de obras teatrales chilenas que se transmitian en el horario prime. Era notable ver puestas en escena donde el escenario era un absoluto negro que se intervenía con algunos elementos para cambiar el decorado y situar a los personajes en otros espcios y tiempos que se establecian con la fuerza cómplice que el teatro exige. Recuerdo "La Remolienda" de Alejandro Sieveking.

"Casa de Remolienda" impresiona por su definición y por la textura del color que transmite ya desde los primeros segundos cuando el personaje de Daniel Muñoz comienza a tocar un pandero lentamente hasta comenzar la cueca que nos lleva al pasado. Se presenta una galería de personajes durante la escena donde se presenta la casa de remolienda, ebrios, putas, cabrona y asistente, municipales y unos cuantos que se emborrachan en los "decires" y las oyentes de labios pintados.

Paralelamente la familia de los tres personajes masculinos que conocerán la Casa comienzan el viaje junto a su madre -muy joven- pero Amparo Noguera consigue hacernos olvidar ese lapso de edad que, al parecer olvidaron. Asi los primeros minutos del film se vuelven una batería concentrada y fragmentada de personajes, ambiciones y deseos que no dejan entrar a ninguno de esos mundos propuestos.

La clásica pregunta debe ser: ¿cómo fue la adaptación del teatro al cine?, Eyzaguirre responde algo así como: la obra teatral es folclórica -no quería hacer algo así-. Despúes de ver el film creo que no se percibe ese sentido "desfolclorizador", lo que aparece es un celo absoluto por mostrar un sin fin de siituaciones que se tejen para poder hacer avanzar una historia que -cuando la ví por Tv- era estremecedora por su inocencia y profundamente humana por naturaleza. El film no deja ver, es extremadamente caprichoso en su afan de mostrar un relato que no posee urgencias dramáticas fundamentales y que se desvive en decorados, vestuarios, color, situaciones fotográficas exuberantes, espejos reflejados y objetos bellos en todos lados.

El film deja un vacío que la obra llena y es capaz de rebasar a todo el drama de Sieveking, ese componente es absolutamente sencillo e intenso, el hombre nativo frente a una figura más artificial -la puta: maquillada, falsa, máscara y doble-. Y una madre que intenta enseñar a comportarse a un grupo de niños-hombres -sólo comportarse- al parecer el hombre es un ser salvaje y sólo nos podemos comportar. Ahí hay tema para mil films y eso no es algo muy distinto al folclor.

Si hubiese escrito en un diario malo, hubiese puesto una calificasión de VAYA A VERLA, es un aporte a la producción visual chilena, se nota oficio, se logran transmitir algunos espacios de forma plástica y lumínica, la corrección del color esta sobre la media, el HD funciona y... vaya a verla.

MALTA CON HUEVO: la receta

2007-09-14T10:15:00.000-07:00

De vez en cuando privilegio la producción nacional cuando voy a las salas de cine. Hace unas semanas me senté frente a un film que tenía "los pies bien puestos sobre la tierra".

Referirse a la historia que se divide en tres fragmentos puede parecer un atentado contra el marketing, pero el film no se basa sólo en esta estructura, ya que la películaValderrama goza de un factor camaleónico que se ha explotado bastante poco en nuestro terroritorio. El carácter cambiante, invasivo y, a veces, híbrido del género durante el transcurso del film -lo más fácil es decir cómedia- hace que sea un comedia negra y unas cuantas cosas más que se van presentando y replegando durante la ebria historia.

Dos versiones para un mismo hecho, tres personajes para un mismo lío amoroso y un cuarto personaje que viene a ser el reemplazante de otro que expira durante el climax del film. Se nota oficio en el guión hasta que se hace patente su estructura, su maqueta de pulsaciones dramáticas que se deben respetar -en el peor de los casos- cuando se quiere contar algo correctamente. El carácter fragmentario y la duplicidad narrativa que se propone desciende de la experiencia de Kurosawa, Jarmush con Mistery Tarin y de la apoteosis comercial que significó Pulp Fiction. Luego vendrían una serie de producciones que interarían por el mismo camino con o sin éxito. Fragmentos que poseen narradores determinados hasta que llegamos al tercer segmento que es una continuación directa del narrador del segundo pero que no es equivalente en su tiempo, se desarrolla luego que los dos relatos del mismo aconteciemtiento llega a su fin.

El Cine Chieno no es costumbrista. El cine de un país es un cuerpo de films que se producen bajo condiciones de producción dadas por un contingente cultural y comercial donde el director -en el mejor de los casos- es nacido en al interior de ese territorio- Por eso el film de Valderrama entra como ópera prima, tan honesta consigo misma que aspira a ser la película que te gustaría ver una tarde de domingo o en el cine de ultima función en algún canal de TV abierta.

Cuando el título es sólo un pretexto: "Hysterical Blindness"

2007-06-05T06:56:00.000-07:00

Hace bastante tiempo que el canal HBO produce películas que de algún modo responden a una contingencia. Fue el caso de Elephant de Gus Van Sant que ponía en escena los momentos previos a un desolador acontecimiento, sin duda que la forma en que fue filmada supera la anécdota y la impulsa a otro escenario, muy distinto al de la producción televisiva. Luego vino una serie de peliculas hechas desde la TV para la TV, pero antes que el film de Van Sant apareciera en la pantalla Hysterical Blindness (2002) marcaría un precedente bastante atractivo que testifica los actuales riesgos de HBO por sus producciones fílmicas.

Ceguera Histérica es la traducción literal de esta película hecha para ser vista, en primera instancia por TV, luego los mecanismos de distribución la llevarían al video club y quizás a cuantos medio de exhibicióna más. Lo concreto es que el formato puede contar con contrataciones envidiables, Ben Gazzara, Rownlands, Thurman, Lewis para narrar un momento en la historia de un grupo de personajes que se desarrollan en contraste con el personaje Debbie, interpretado ferozmente por Thurman. Retomando un tópico que el cine nortemaricano deja muchas veces a un lado: la imposibilidad del amor. Para ello, Mira Nair desarrolla dos relaciones paralelas, la que possee la Madre de Debbie (G. Rownland) con Bobby (B.Gazzara) relación frustada por un irrevocable fin y la que pretende establecer Debbie con un tipo que conoce en el bar del pueblo. El personaje de Thurman está al límite de la inocencia y de la conciencia absoluta de sus intenciones -me inclino por la primera- Debbie cree que comenzar una relación resulta cotidiano, que no se necesita más, sin embargo a su lado esta Beth (Lewis) con una hija a cuestas y unos padres que la protegen de los cuidados que debe tener como madre. Beth resulta ser más reflexiva y convincente a la hora de solucionar los eventos que aparecen.

Es un film de situaciones, de personajes que nos llevan al otro lado de la configuración clásica del drama, resulta ser la herencia de Cassavetes, la historia la tienen los personajes y son ellos los que cambian el rumbo de las situaciones. La emoción, los desafíos, la concepción del amor en nuestros tiempos, la nostalgia por los 80's que hacen de la película un refresco de una moda y de un momento cultural donde Madonna o Cindy Luper podían hacer olvidar, por un instante, que la vida puede ser amarga.

Lo que me queda dando vueltas es la sensación final de la película -que aún no resuelvo- eso es lo mejor del film- la ceguera histérica era solo el pretexto...

Ególatra y Melancólico

2007-04-16T09:08:00.000-07:00

Ya no es ningún misterio que a Woody Allen le apasione el jazz y todas sus variantes. Aún así en los soundtrack de sus películas no aparece ese swing de Django Reinhardt o el de Emmet Ray. Sin embargo cuando lo hace se despliegan en un filme con tantas variantes como una pieza de jazz.

A modo de documental de AE mundo, con una cálida impresión fotográfica Allen y otros "expertos" exponen, preliminarmente, algunas observaciones de Emmet Ray; el norteamericano opacado por el gitano Reinhardt. Luego comienza la película. La mezcla mono del audio colabora con la fidelidad musical de la época. Sean Penn interpreta al protagonista delineado gruesamente con la marca del "Yo soy". Tal vez por eso es que los personajes que rodean a Emmet logren complejas interpretaciones en escena. Me refiero a la mudez del personaje de Samantha Morton (tan notable como en Morvern Callar) es en ésta relación donde se determina el centro del filme a pesar del efectivo carácter fragmentario e incierto en fechas y hechos que delinean una "excéntrica" biografía.

La música, el carácter de Ray, el fantasma de Reinhardt, las irrupciones y reflexiones algo anecdóticas entre los segmentos narrativos podrían cumplir una función bastante eficaz, ya que no impulsa una suerte de épica de Emmet Ray sino a situar una historía bastante imprecisa de la vida de un músico errante como su misma película; que tiende, en ocasiones, a configurar la figura de ídolo.

Razón tenía un buen amigo que luego de escuchar las guitarras del grupo chileno "Los Tr3s" hizo aparecer entre las sombras de Roberto Parra y su jazz huachaca al mismísimo Reinhardt.

El comienzo de la venganza

2007-04-09T05:45:00.000-07:00

"The Proposition" nos presenta el escenario del western con sus personajes y espacios. Pero éste filme que se sitúa en Australia en la época de una cierta conquista de territorios por parte de los ingleses ya transforma la concepción tan clásica que podríamos haber establecido del género.

Guy Pearce ingresa al selecto grupo de los solitarios en el cine pero con una ambiguedad que no logra determinar algún sentido. El paisaje se torna lugar de conquista y de errancia - Jim Jarmush obtiene efectos similares con "Dead Man" cuando William Blake confía el viaje a un caballo que roba de un pueblo.

El film se despliega en un terreno donde el pasado actúa como carga dramática: las aberraciones cometidas por los hermanos Burns. El fime comienza con la captura de Charlie (Guy Pearce) y Mike -dos de los cuatro hermanos- La escena de una balacera que perfora los muros de una bodega dejando que la luz entre por los orificios de los impactos multiplica el efecto que los hermanos Coen disfrutaron en "Simplemente Sangre". Con la captuta viene la proposición de Stanley una especie de Sherriff que pretende hacer justicia según sus propios conceptos.

Charlie debe matar a su Hermano Arthur para que su hermano Mike no sea condeando a muerte luego de nueve dias. Con esta sentencia la película construye su inicio y su punto de partida. Nueve dias en que el protagonista Charlie con su silencio y brutalidad, Stanley con sus limitaciones y conflictos familiares -Emily Watson- la esposa atormentada por los crimenes de los Burns, una aldea que busca la venganza y la justicia, "indios" prisioneros y exterminados, un lugar donde las moscas, la sequiedad, el calor y la inhospitalidad del escenario capturan la atención.

La película se va contruyendo en la urgencia del cumplimiento de la proposición, las preguntas son inocentes ¿matará a su hermano?. Justamente el filme no pone su resolución en esa duda argumental tan clásica que, al parecer, se fue erguiendo para la aparición de los hermanos Burns.

Es el comienzo y el final de "The Wild Bunch" de Sam Peckimpah. Es la reinstalación de la venganza silenciosa. De la locura exquisita, donde la violencia es el disfraz que se hace necesario y la soledad se vuelve agresiva, donde la culpa y la frase "no hay vuleta atrás" se hace imperiosa, donde la conquista de un territorio es espiritual -los contantes planos amplios de Arthur mirando hacia el horizonte-, donde hay que cargar con el cadáver de nuestras culpas y continuar... La película no se acaba con los créditos...

El desgarro de no tener familia y el derecho de huir por los terrenos que conquistó el dolor... hacen de The Proposition la oportunidad de comenzar a complejizar los niveles de un discurso fundado por el cine nortemaricano del western pero desplazado en su sentido moral.

París no es suficiente...

2007-04-08T16:01:00.000-07:00

"París, Je T'Aime" reúne un grupo de cortometrajes con un pie forzado; algo así como un tema en común o una guía temática que pueda producir la reunión de tan dispares directores que deben situar sus historias en barrios de París.

Puede parecer algo siútico, apestoso o simplemente snob tragarse el título que alude a la ciudad que, supuestamente, te enamora.

La elección de los directores como siempre es arbitraria y muchas veces puede ser la decisión del gusto de los productores o convenios con distribuidores que puedan hacer mover el negocio. En fin, importa una muestra de diversas visualidades, donde algunas se perfilan al lado de otras que se desploman por su aroma a librería de libro usado y afrancesado.

Alfonso Cuaron, Tom Tkwer, Cristopher Doyle, Sylvian Chomet, Walter Salles, Gus Van Sant y los hermanos Coen por nombrar algunos que otorgan la impronta de una producción eclectica en sus formalidades y narrativas visuales. Pero poco de eso pasa en contadas excepciones.

La virtuosidad de sostener un largometraje y desarrollar un guión por algo más de 90 minutos no asegura la habilidad de hacer un cortometraje en 5 minutos. Hacer un cortometraje tiene una cuota de insolencia, adolescencia o si quieren llamar arrojo a la prueba y a la caída en el error que gran parte de estas historias no poseen.

Pero irrumpen las historias de Cuaron, de Tykwer, de Salles para volver a creer en el formato. Aunque los tres que eleji optan por caminos distintos sorprender con el manejo de la puesta en forma de su producción.

Cuarón logra un plano secuencia que dura la conversación de Nick Nolte con Ludivine Sagnier con la luz justa para llegar a al desenlace que cobra un nuevo sentido. Tykwer, pienso que su oficio se exacerba en el corto situado en "Faubourg Saint-Denis", Donde un llamado telefónico activa la memoria de un ciego. Lo que se puede concluir en el corto de Tykwer es que comprueba su oficio que ha pulido desde su cortometraje "Epilogo" hasta "Perfume: historia de un asesino", con todo el arsenal del artificio que puede convencer que el manejo del tiempo es lo unico que importa cuando se quiere hacer cine.

Walter Salles activa la matriz latina. El cine de este lado del mundo se ve reflejado con el uso del estereotipo mas manoseado en la cultura venezolana: la asesora del hogar de "bajos recursos" que debe dejar a su bebe y cruzar casi todo París para sobrevivir. A pesar del tópico narrativo Salles sostiene con el trayecto por el metro, las micros y la austeridad de sus recursos narrativos una historia que molesta a primera vista pero que se re acomoda cuando llega a su fin.

Los otros cortometrajes gozan de la experiencia de sus directores, muchos de ellos atractivos e impulsivos al armar el relato. Hay ciertos homenajes: G Rowlands /que participó como directora de otro corto) con Gazzara comparten una conversación (como se extraña a Cassavetes). Y algún excéntrico necesario: Chistopher Doyle da una clase de imagen y estilo como si su cortometraje fuese un catálogo de moda y alta costura.

Eso sería...

Los Maestros:

Christopher Doyle & Tom Tykwer